un povero logo appena divenuto orfano...

come annunciato, da pochi minuti splinder.com ha ufficialmente chiuso i battenti e se ora seguite il link troverete la home page di peeplo (che lì per lì credevo fosse un brand di Cetto La Qualunque). Bah, odio l’erosione di periodi della vita, ma la vita di questo è fatta. Una prece. Per lo meno i redirect effettuati per tempo funzionano e, al momento, digitare blogregular.splinder.com vi porta ancora qui.
So long, splinder. Sit tibi trashcan (cestinum?) levis.

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quando un libro, oltre a fornirti decine di pillole di saggezza, si rivela principio ispiratore perfino di molta letteratura musicale in pieno spirito “anticlassico”, capisci che è un libro sapienziale all’ennesimo grado.

Poi mi pulii con la salvia, il finocchio, l’aneto, la maggiorana, le rose, le foglie di zucca, di bietola, di cavolo, di vite… (Libro I cap. XIII)

Roberto Benigni, Inno del corpo sciolto

…e [Pantagruele] diede loro il nome di Pigmei. …questi mozziconi di uomini (che in Scozia chiamano manici di frusta) sono facilmente collerici. E la ragione fisica è che hanno il cuore molto vicino alla merda. (Libro II cap. XXVII)

Fabrizio De André, Un giudice

Vidi manticore, bestie assai strane: hanno il corpo come un leone, il pelo rosso, la faccia come un uomo, tre file di denti che si incastrano l’una nell’altra come possiam fare con le dita delle due mani; hanno sulla coda un pungiglione col quale trafiggono come gli scorpioni, e hanno la voce melodiosissima. (Libro V cap. XXIX)

Emerson Lake and Palmer, Manticore

Vidi dei catoblepa, bestie selvagge, piccole di corpo ma con le teste grandi fuor di proporzione, che possono appena sollevarle da terra: hanno gli occhi così velenosi che chiunque li vede muore come chi vedesse un basilisco (ibidem).

Elio e le storie tese, Supergiovane

[in realtà i primi "avvistamenti" di manticora e catoblepa (verosimilmente una versione magica dello gnu, ma nessuno ai concerti di Elio ne sapeva alcunché) si hanno a cura di Plinio il Vecchio e Ctesia di Cnido]

"ehi tu poveraccio, vai pure per Ponte Vecchio ma stai attento a non malignare ahn, i Signori ti spiano..."

e così ce l’ho fatta a visitare anche il Corridoio Vasariano. Una leggera impasse all’ufficio prenotazioni (chi aveva raccolto la mia, qualche settimana fa, si era scordato di darmi il codice e mi han dovuto ricercare sul pc), ma tutto è filato liscio. Siamo, lo ricordo, ancora nel MRM™ (Mese di Riappropriazione Museale, che si protrae, a naso, almeno fino alla prima decade di febbraio) e quindi l’entrata agli Uffizi è stata agevole, e ho fatto un piccolo refresh di alcune tele.

Anche stavolta ho “bucato” la Battaglia di San Romano, che – se non faccio confusione – è in restauro ormai pluriennale, e mi sono limitato al piano principale senza “scendere” al primo appuntamento con le Nuove Sale, per non stancarmi né allontanarmi troppo dalla Sala 25 (quella del Tondo Doni, accanto all’ingresso della quale parte il tratto Uffizi-Pitti del corridoio). Rilevo che tramite il sito – a differenza della Galleria d’arte moderna per cui, come abbiamo visto, i problemi sono di ordine non tecnico ma organico – qualche informazione su alcune opere non visionabili (Adorazione dei magi, sala della Niobe) viene data. Ci vorrebbe una lista più capillare e aggiornata, ma in compenso la buona notizia è che il maxirestauro della Tribuna (“fine lavori prevista per l’estate 2011″, si legge nel pannello informativo…) ha fatto sì che i suoi capolavori venissero spostati in una sala del terzo corridoio… bene, finalmente li ho rivisti “in casa” con una luce decente e a una distanza appropriata! E proprio il reincontro con Bia (ammirata l’ultima volta “in trasferta” a Palazzo Strozzi, e mi accorgo ora di avere clamorosamente omesso di darvi conto della splendida mostra), assieme a una riconsiderazione più attenta dei meravigliosi accostamenti cromatici intercorporei nel Compianto, sempre del Bronzino (questo nella sua sala 27), ha costituito l’acme di questo quick tour.

Per quanto riguarda il Vasariano, che è lungo più di un chilometro e con tutte le sue difficoltà di snodo e costruzione è stato realizzato in cinque mesi (oggi in 5 mesi non si finisce manco un box auto), devo dire che ho trovato una guida molto chiara nell’esposizione (di nome Rossella, se non erro) e 24 compagni di escursione attenti, silenziosi e circospetti nel passo, e non è poco. In estrema sintesi, i miei pre-giudizi ne sono usciti rovesciati. Mi aspettavo un’esperienza soprattutto architettonica, fatta di spazi angusti (falso: il corridoio è molto ampio e per nulla claustrofobico) affacci e scorci: questi, come potete immaginare, non mancano (vi propongo solo lo scatto migliore col solito commento à la Balasso), ma devo ammettere che mi ha sorpreso la ricchezza della collezione, per nulla “minore” come qualcuno bisbigliava prima di entrare, anzi… A parte l’impatto emozionale, per cui all’inizio ti trovi davanti ai resti di due tele inestimabili distrutte dall’attentato di via de’ Georgofili (un Gherardo delle Notti e Il concerto di Bartolomeo Manfredi; quest’ultimo quadro già nella sua epoca così apprezzato che ne venne fatta una copia d’autore coeva, grazie alla quale possiamo farcene un’idea e deplorare la follia umana), il valore aggiunto sta senz’altro nella gigantesca quantità di autoritratti d’Autore che parte dalla “prima curva di Ponte Vecchio” e termina alla biforcazione Appartamenti Reali – Boboli che ha rappresentato anche il termine della gita. Valore aggiunto e anche limite, perché il tempo a disposizione è troppo poco, basti pensare che la preparata guida, alle prese con aneddotica, personaggi storici e rilievi artistici, ha “saltato” un Boldini e appena accennato a un Velazquez! Occorrerebbe credo almeno più di un paio d’ore per potersi soffermare su tutto quanto la galleria offre.
Ho annotato qualche nome: Vasari (ovviamente), poi Rubens, Pietro da Cortona, Luca Giordano, il Dolci, Carracci, l’autoritratto multilevel (ritratto del pittore mentre si fa l’autoritratto) di Johann Vump, Zoffany, Batoni, Canova, Hayez, Jacques-Louis David, la Cosway di recentissima attribuzione, Angelica Kauffmann, poi Ingres, Corot, Elizabeth Lebrun Vigée che nel ritrarsi si è tolta una ventina d’anni!, Silvestro Lega, Fattori, Vinea, Balla (titolo spiritoso: Autocaffè) e Chagall. Da notare che le acquisizioni di autoritratti (e quello di Annigoni ancora sul cavalletto vuole significarlo) sono in continuo progresso, tanto che non escludo, al mero scopo d’eternarmi, di compiere un gesto estremo e donarne anche uno mio!! Prima devo imparare a dipingere ma è un dettaglio.

Nel complesso un’esperienza meritevole, certo se riuscite ad agganciarvi a qualche “treno speciale” (alcuni Enti e Associazioni organizzano visite riservate, probabilmente con più tempo e facendo anche il tratto Palazzo Vecchio-Uffizi) forse ve lo godete in maniera migliore, ma anche così ha il suo enorme rilievo. Spero di ammaniharmi a puntino, come si dice qui, e poter in futuro soffermarmi sui tanti capolavori col tempo che si meriterebbero.

Se volete prenotarvi forse c’è ancora posto: seguite queste indicazioni (e non scordate di farvi comunicare il codice prenotazione). Qui un photoset più bellino del mio (compreso qualche scatto furtivo agli interni)

Il giardino di Boboli visto dal corridoio d'entrata della Palatina. Mi scusino i veneti per lo scempio dialettale, ma mi viene in mente Balasso: "Ciao poeràcio, varda che vista da la mia terrassa"

ovvero sbobinatura delle annotazioni durante una visita nel corso del Mese di Riappropriazione Museale (MRM™)

Erano davvero secoli che non tornavo alla Palatina.
Entrée ansiogena perché mi viene incontro la temporanea Bella Italia, che però all’inizio mostra cose fiorentine bellissime ma – tranne questo Masaccio – viste e straviste (Uffizi Bargello etc.) e cose torinesi scarsamente rilevanti.
Temo che mi abbiano fregato ma poi fortunatamente trovo il corridoio e inizia la visita vera e propria.

L’ambiente è ideale, pochissime persone e quelle poche si affrettano perché è ora di pranzo: siamo in pieno clima di riappropriazione. Bene.
Quasi subito una vecchia conoscenza: Furini (penalizzatissimo dalla illuminazione, che per tutta la Palatina è antica e sparata sulle tele), più un Rubens e un Rosso Fiorentino. La magnificenza del Soffitto delle allegorie mi distrae un po’.
Mi chiudono alle spalle una sala alla mia uscita. Comincio a sospettare che la copertura organico del personale abbia qualche problema di carenza…
Dalla Sala di Prometeo si comincia a fare sul serio: tra una miriade di capolavori, adocchio il Bacco di Guido Reni. Più tardi ne annoto anche La carità.
Corridoio delle colonne: Jan Bruegel (Orfeo agli Inferi) e David Ryckaert III (due tele su le tentazioni di Sant’Antonio) sono forse la visione più emozionante di tutta la giornata. I mostri danzanti di queste ultime… spiego che è così che vedo la gente, soprattutto la folla…
Il Salvatore di Tiziano è stato restaurato in tutti i suoi azzurri dal Laions Clebbe nel 2004. Fa un poco D*o e mammona, ma massimo rispetto rispetto per la filantropia culturale.
Ho ritrovato anche Melchior de Hondecoeter (l’anatrofilo visto all’Accademia Viennese).
La Maddalena del Perugino soffia alla Madonna del Granduca di Raffaello il primato del volto più bello.
Un disegno di Rubens su Le Tre Grazie nelle stanze della servitù. Riflessioni su come fosse meglio fare i servi dei signori e vivere in megapalazzi che fare i servi di gente ben più ignorante (i clienti aziendali “ho pagato e qui comando io”) con l’illusione di essere liberi.
Pieter van Laer era soprannominato il Bamboccio. Che conoscesse Padoa Schioppa o Martone?
Arriva una frotta abbastanza disciplinata e attenta di bimbiminkia, che con questo vuoto fa la sua impressione. La solita guida mainstream fa loro saltare tutti i capolavori che ho citato dal Corridoio delle colonne fino a qui. Mi reimmetto nella Sala Prometeo e seguo il flusso principale.
Un bel diavolaccio anche nella Tentazione di Salvator Rosa.
Sui soffitti della Sala della stufa sono raffigurati i profili degl’imperatori più famosi, ciascuno con una quartina (abba) che lo illustra. Cerco qualcuno da annotarmi ma non mi ispirano.
Primo handicap – lancinante – della giornata: hanno prestato un Caravaggio (Amorino dormiente) al Puskin di Mosca e due Artemisia a Milano.
La Madonna in Trono del Rosso, le pieghe del vestito tracciate cromaticamente, attraverso il colore.
Molto Andrea del Sarto. Su tutto, direi, l’Annunciazione Della Scala: lo sfondo monolitico, grigio con effetto di luce, la rinuncia al contingente (paesaggio) in funzione ipostatica, di sospensione del tempo.
Il dinamismo mozzafiato, filmico (un piano sequenza sinistra-destra: sarebbe piaciuto al neoscomparso Anghelopulos), le figure “in evaporazione” ne Le conseguenze della guerra di Rubens.
Complimenti a chi ha classificato la tela Apollo e MarZia del Guercino! Mitologicamente un po’ strabico pure lui.
Inizio degli appartamenti reali: c’è il Cavaliere di Malta del Caravaggio, esposto in modo quasi criminale, in penombra. La Sala del Trono, provvisoriamente con accanto al symbolum regni un quadro di Vittorio Emanuele II, mi fa riflettere sullo strapotere temporale concesso ai nani nel nostro paese. Dimenticando il monito di Mazzarino: sono spocchiosi e boriosi.
Pittura ottocentesca nella Sala della Regina: Giuseppe Bellucci, Pietro Saltini, Francesco Vinea. Studi accurati sulla luce naturale proveniente dalle finestre.
Si chiude col “Gabinetto ovale”. History repeats itself, Bill. smile

Salita alla Galleria d’arte moderna. Ma prima c’è un altro Padiglione di Bella Italia nel pianino ammezzato: le sale su Milano, Bologna, Parma. Queste davvero meritevoli. Su tutti il Carracci con due tele (Cristo e la cananea) e Guido Reni con una saletta piena di pregiati sguardi estatici e rapiti. Molte cose sono in collezione privata. C’è anche l’inflazionato bacio di Hayez.
All’ingresso della moderna, la parte veneziana di Bella Italia. Anche questa notevolissima. Tiziano e Canaletto ma soprattutto un Tiepolo (Venezia riceve i doni del mare) e un Tintoretto (Il doge Girolamo Priuli) allegorici normalmente siti in Palazzo Ducale. Mentre si sofferma su quest’ultimo, la mia sodale di visita prorompe con “C’è un odore di cipolla!” che mi fa pensare a Bernstein che raccontava di una seconda di Mahler a Tanglewood quando, poco prima del raggiungimento di un particolare climax orchestrale, sentì dal podio due vecchine in prima fila che parlavano di quanto strutto ci voleva in un piatto!
Nelle prime sale della moderna niente mi colpisce, eccezion fatta per la collocazione dei quadri, ben più amica dell’occhio anche se. C’è molto Hayez, Duprè, Bazzuoli… ma, soprattutto nei quadri, pose ed espressioni studiate non sopperiscono alla staticità (Coghetti, Pollastrini).
Alcune tele mi ricordano il “cinemascope” de L’alzaia di Signorini (che qui non c’è e cui come sapete ho dedicato…): Castiglione del lago di Carlo Markò jr. e Sulle rive dell’Ofanto di Giuseppe De Nittis.
Dopo il primo autoritratto di Fattori si comincia a fare sul serio. Ma emerge, oltra a un’altra tela in gita (Il canto dello stornello di Silvestro Lega è a San Pietroburgo), l’handicap principale della giornata: molte sale sono chiuse. Alcuni capolavori di Boldini, Signorini, perfino Corot e Pissarro, più tutte le sale sul futurismo sono sbarrate dai cordoni. Mi sporgo dalle porte e vedo qualcosa (un bell‘autoritratto di Boldini ad esempio) ma non più di tanto. Parlo con le maschere, peraltro gentilissime, mi spiegano che sono drammaticamente a corto di personale e, per motivi di sicurezza, di pomeriggio devono chiudere una mezza dozzina di sale (tip: andate di mattina). Addirittura guardano sul foglio di servizio per vedere se ci fosse qualche doppione e riaprire qualche sala per me, ma niente. Eccepito che però ho pagato il biglietto intero (diconsi 13 Euro), mi consigliano di ripassare dalla biglietteria e vedere se mi danno un pass o una riduzione per il giorno seguente.
Va be’, li lascio stare (tanto il giorno seguente non posso andarci non è colpa loro se al Ministero non assumono più nessuno) e mi godo la sala 18 dove posso ammirare un quantitativo industriale di Signorini e Fattori (La libecciata) e poi esco dallo scalone monumentale, un po’ contrariato per questa castrazione finale (tip: basterebbe qualche informazione in più sul sito ufficiale su cosa uno può aspettarsi di vedere e cosa no), ma nel complesso felice per questa Riappropriazione Museale, monca di qualche falange ma aumentata grazie al supplemento.

Scusate, c’è ancora un po’ di lavoro da fare, ma conto di sbrigarmela in qualche mese, e rimpinguare (a ritmi lenti) il carniere delle cose notevoli di cui parlarvi.

Per cui buon soggiorno… date pure un’occhiata in giro e… aggiornate i segnalibri: bobregular riparte da qui.

Leoš Janáček (1854-1928)

Torno al Comunale, dopo un’assenza di quasi un anno e mezzo, per L’affare Makropulos di Leoš Janáček. Accantonata la scaramanzia (vedi qui e soprattutto qui), l’occasione era ghiotta anzi irrinunciabile per assistere a un’opera che, dal 1960 a oggi, è stata rappresentata in Italia solo dodici volte compresa la presente, di cui tre (inclusa la première italiana del ’66) meritoriamente proprio a Firenze. Andato in scena per la prima volta nel 1926, il “Makropulos” deriva letterariamente dalla commedia di Karel Čapek (famoso anche per avere ideato la parola robot), e gravita intorno alla figura femminile di E.M., étoile della lirica, viaggiatrice suo malgrado, altezzosa, algida. Curioso e contraddittorio personaggio, nei primi due atti del tutto anticipatore della Lulu berghiana (che arriverà quasi un decennio dopo, incompiuta), o se volete, del pari riecheggiante l’antieroina di Wedekind (che invece scrive tra il 1896 e il 1904 i due drammi da cui è tratta la Lulu) nella sua forza magnetica e distruttiva verso il sesso opposto. Emblematico, qui nel Makropulos, il secondo atto, con quella cerchia scenica di uomini completamente assoggettati, quasi cani in calore davanti all’uscio della cagnetta, e con l’attrazione (fatale) abilmente esercitata sul giovane Janek ma soprattutto sul di lui padre Prus, il cui rapidissimo asservimento che conclude l’atto somiglia molto alla scena di seduzione tra Lulu e il Dr. Schön… Poi, dopo la notizia tragica relativa al ragazzo (accolta con luciferina indifferenza: qualche colpo di pettine!) arriva, improvvisa benché favorita da qualche bicchiere di troppo, la catarsi: E.M. svela senza troppe costrizioni il suo arcano, rinuncia fatalisticamente ai propri intenti e, nella grande aria finale, trae la sua stessa morale volgendosi al pubblico.
Un’eroina – dalle sfaccettature probabilmente ricollegabili, nell’immaginario janacekiano, alla figura di Kamila Stösslová – quasi bipolare, attorno alla quale è costruita una partitura musicale ricca, come spesso in Janáček: pronta a farsi, di conserva col mutamento della protagonista, da nervosa e tematicamente condensata, soprattutto nel primo atto, a via via più piana e distesa.
L’impressione, per me che affrontavo l’opera per la prima volta, è che l’azione e il materiale drammatico musicale avrebbero avuto bisogno di almeno una buona mezz’ora di scrittura  in più per sviluppare e collegare meglio le connotazioni soggettive-oggettive di un “caso” che, messo così, assomiglia più a un Bignami (per tacere dei recitativi a rompicollo attraverso cui molte delle pieghe della faccenda vengono esposte). Tutto passa invece abbastanza velocemente e, venendo al problema della serata, all’acqua di rose: non ci sono stati a mio avviso correttivi, cioè spunti o ardimenti interpretativi, musicali o registici, che potessero manipolare la percezione del tempo scenico o musicale nell’ascoltatore. Non nel binomio William Friedkin / Michael Curry, che – mercé forse le ristrettezze congiunturali – mettono in scena una rappresentazione senza memorabilia, con niente più di uno slideshow fotografico (solo, accarezzato dalla protagonista in ombra a simboleggiare il desiderio d’immortalità) per il preludio e un ecpirico finale computergraph, in mezzo ai quali c’è poco o nulla. Non nell’orchestra guidata da Zubin Mehta al debutto in quest’opera, condotta con rispetto ma senza scavo e sottolineature nei primi due atti, fino al finale del secondo e al terzo, dove invece è più nel suo habitat lirico e si fa maggiormente apprezzare.
Il cast è nel complesso buono, con una nota di merito per il Vitek di Jan Vacik e il Gregor di Miro Dvorsky. Maglia nera del gruppo l’affaticato avvocato Kolenaty di Rolf Haunstein. A sé Angela Denoke, dalla conturbante presenza scenica grazie al registicamente-seduttivamente studiato sventolio di due gambe considerevoli, in pieno trend teutonico-kessleriano: quel che più conta, prova vocalmente superata, in volumetrico crescendo e costante nitidezza per lei, ovviamente a lungo applaudita.
Per concludere voglio segnalare l’ottimo programma di sala ove spiccano il generoso saggio di Franco Pulcini e il libretto in italiano, offerto non nella versione dei sopratitoli ma in quella ritmica (lavoro notevole, considerando le differenze tra il ceko e l’italiano) creata dal compianto Sergio Sablich.
Si replica domenica e mercoledì prossimi.

Anche se alcune organizzazioni umanitarie hanno cercato di destare l’attenzione internazionale su questo episodio, esso è sostanzialmente stato snobbato. Ma lo spettacolo di Brie è qualcosa di più di una controinformazione o rettifica. L’attore (e scrittore) si presta a far rivivere dalle viscere un’umanità dimenticata, impersonando la profonda umiliazione dei derelitti e la banalità dei malvagi, a volte freddamente calcolatori (come il grottesco criminale poi prete poi aguzzino), a volte semplicemente ignoranti (come lo squadrista neolaureato ucciso, paradigma di tanti giovani utilizzati a suon di propaganda). Anche se la bilancia non cessa di pendere a sfavore degli oppressi (complice una macchina statale, vero satana della vicenda, capace ad esempio di liquidare chi rimase permanentemente invalido con trenta giorni di prognosi e negargli così qualunque aiuto economico), proprio nel racconto del giovane ingegnere padre di famiglia arruolatosi e finito trucidato per errore si ha il retrogusto della bilateralità della sciagura, che si stende su tutti, come una macchia d’olio.

Brie ci porta vite, nomi cognomi e destini, non numeri o geopolitica. La sua è la battaglia della memoria e della pietà.
Dotato di straordinaria energia, impiega instancabilmente ogni tendine e muscolo per una performance vitale, sciamanica, compressa in un parquet di 4 metri per 6 (più o meno) bordato di foglie secche, circondato dal pubblico ai quattro lati; con vesti e oggetti sulla scena (talora, d’après Prévert, sotto le foglie morte), abiti o tratti distintivi del personaggio che prende forma nel corpo recitante o, dolorosamente, nell’oggetto stesso: i corpi straziati sono panni fradici, violentemente scagliati a terra o amorevolmente ricomposti, a dimostrazione che il cruento non è indispensabile nel descrivere la violenza, anche la più abietta.

Lo spettacolo dura circa un’ora, ma che densità emozionale! Molti spettatori erano profondamente scossi, alcuni fino alla lacrima.
Un tributo memoria ne cadat ai grandi esclusi del mondo, "il rovescio della moneta che tutti consumiamo" (come annota l’autore), viene speso nel silenzio di un giorno di pioggia. Si torna a casa in tempo per apprendere dal TG nazionale che esistono borse commestibili e che due caprioli hanno scavato una tana in autostrada.
Filed under: dal vivo, teatro Tagged: Bolivia, César Brie, Fabbrica Europa, Firenze, Istituto Francese, Jacques Prévert, Pontedera Teatro, Teatro de Los Andes ]]> http://blogregular.wordpress.com/2010/05/19/baum-ohne-schatten/feed/ 1 Roberto R. Corsi http://blogregular.wordpress.com/2010/05/10/senzombra-di-dubbio/ http://blogregular.wordpress.com/2010/05/10/senzombra-di-dubbio/#comments Mon, 10 May 2010 13:54:00 +0000 Roberto R. Corsi http://localhost/wordpress/?p=566 Leggi l'articolo completo →]]> Sabato sera ho assistito alla seconda e ultima rappresentazione della Donna senz’ombra (Die Frau ohne Schatten) al Maggio Musicale. Come sapete essa era stata inizialmente cassata per l’agitazione promossa dai lavoratori del Teatro, ma venerdì c’è stato un ripensamento deciso "per amore della città di Firenze e degli appassionati di musica". La situazione è e rimane tesa, soprattutto perché è in stallo: prendendo a prestito il libretto, pietrificazione che non accenna a smuoversi è la sordità dei piani alti, inasprita da emblematiche generalizzazioni di certa stampa militante.
Che succederà? Spero di essere smentito, ma temo ben poco a favore dei lavoratori del settore e degli appassionati: c’è da scardinare un dato che è antropologico prima ancora che politico o congiunturale  (della cultura, nel palazzo, ormai frega a pochi se non a punti) e che si propaga viralmente "grazie" all’appiattimento dei media.


Prima della performance un discorso sentito di Mehta, molto applaudito, che deplorava la situazione, ribadiva l’affetto di tutti gli addetti ai lavori per il loro pubblico e lo chiamava al sostegno contro un "piccolo" decreto, evitando perfino di nominare i politici (tranne uno).

Detto questo, dal mio posticino in una prima galleria non pienissima come ci si poteva aspettare viste anche le due repliche tagliate, ho assistito a uno spettacolo memorabile che, per felicità complessiva, mi riesce sul momento di accostare solo a Valchiria (che tra l’altro preso dagli impegni manco recensii) e Antigone di un triennio fa. Quindi ai momenti migliori della mia modesta militanza di spettatore con calamaio.
Zubin Mehta, indomito davvero, affrontava per la prima volta – alla tenera età di 74 primavere – un’opera straussiana complicata all’ennesimo grado (anche se va detto che aveva già affrontato ed inciso parte del materiale sinfonico attraverso la Fantasia che Strauss trasse dalla partitura). Se è possibile ridurne la trama in stylo Luttazzi defindendola storia di un paio d’inseminazioni difficili (e col coretto di non-nati siamo addirittura oltre la legge 40!), essa si sviluppa con innumerevoli suggestioni, a partire dal florilegio di miti e archetipi da cui attinge Hofmannstahl. La ricerca e la conquista dell’ombra (che è segno di fertilità ma prima ancora di corporeità e mortalità: si pensi al cammino oltretombano dantesco e ai più episodi in cui l’ombra lo rivela vivo agli stupefatti defunti) è un percorso dallo spirito verso l’umanità, condizione transeunte eppure cristallina (perché si raggiunge o si conferma attraverso un percorso, più o meno dichiaratamente iniziatico, in cui l’Imperatrice e la Tintora vengono sottoposte a prove di purezza: del resto i paralleli con la Zauberflöte sono esplicitati dal carteggio dello stesso Hofmannstahl), dunque sintetica di spirito e materia, completa. Al gioco "simil-nibelungico" di incursioni e diaframmi tra mondo degli spiriti e delle persone, con la partecipazione di un personaggio per metà spirito e donna quale quello della mefistofelica Nutrice, corrisponde una scrittura meravigliosamente ariosa e cantabile, colma del magistero straussiano ma quasi completamente priva di esuberanze, più presenti in altri capolavori del Nostro.
La lettura di Mehta e dell’orchestra ha restituito in pieno il caleidoscopio di colori e richiami, perfettamente signoreggiando le dinamiche: per tutti, il tema principale, talora eroico talatra (come nel secondo atto, all’inizio del quadro dell’Imperatore) teneramente insinuato come in una barcarola. Non solo non ho udito alcun problema di intonazione che era stato evidenziato (per i violini) in qualche recensione della prima del 29 aprile, ma anche i "soli" (ad esempio quello di violoncello, sempre nel secondo atto, eseguito da George Georgescu) mi son parsi ben eseguiti. Una prova appagante, senza riserve, che sicuramente mi strappa un consenso forte come ho scritto sopra.
Dal lato vocale il cast mi ha soddisfatto nel complesso, soprattutto nelle prove di Tintora (Elena Pankratova) e Imperatrice (Adrianne Pieczonka), ma anche gli altri interpreti mi sono apparsi assolutamente all’altezza (applauditissimo il Barak di Dohmen), salva forse la Nutrice (Lioba Braun), in difficoltà all’inzio (la sua parte è diabolica esattamente come il suo ruolo).
L’elemento-Coro (intendendo per tale non solo il plenum ma anche i gruppi come Kinder e sentinelle) è andato bene, solo qualche ritardino mi fa posporre un "meno" all’ottimo che gli tributo da anni.
Note positive anche per il nuovo allestimento di Yannis Kokkos, soprattutto nelle scene oltremondane dove il cromatismo musicale si esprime visivamente con grumi di colori primari e un impianto fortemente surrealista che ricorda Redon e (nella pietrificazione) Dalì. Largo uso del sipario trasparente, che serve per sfocare figure e mondi non-umani, e della proiezione in chiave onirica, mentre le transizioni avvengono con motivi proiettati su schermo pieno.

Una serata da ricordare, come ho potuto cogliere dalle reazioni di alcuni presenti (ho visto anche la Tuoska, che disiar di più?!) e da qualche scrittura dei giorni dopo. È paradossale pensare di dovere combattere per la sopravvivenza di un tale patrimonio e balsamo per l’anima, che dovrebbe essere acquisito e intangibile. Da una prospettiva meramente egoistica sono contento che lo sciopero sia stato interrotto per potermi gustare questo capolavoro (vincendo anche alcune motivate pigrizie personali), però credo che presto, fatalmente, le barricate dovranno essere rialzate. Sperando, come ripeto, di essere smentito, e augurandomi che, in un periodo di condizioni lavorative finalmente eque, altre date di questa notevolissima realizzazione possano essere proposte agli appassionati.
Filed under: dal vivo, lirica, musica Tagged: Adrianne Pieczonka, Albert Dohmen, Coro del Maggio Musicale Fiorentino, Elena Pankratova, Firenze, George Georgescu, Hugo von Hofmannstahl, Lioba Braun, Odilon Redon, Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, Richard Strauss, Salvador Dalì, Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, Yannis Kokkos, Zubin Mehta ]]> http://blogregular.wordpress.com/2010/05/10/senzombra-di-dubbio/feed/ 2 Roberto R. Corsi http://blogregular.wordpress.com/2010/01/30/grazie-aglinganni-tuoi/ http://blogregular.wordpress.com/2010/01/30/grazie-aglinganni-tuoi/#comments Sat, 30 Jan 2010 01:18:00 +0000 Roberto R. Corsi http://localhost/wordpress/?p=562 Leggi l'articolo completo →]]> giovedì sera, puntuale come ogni anno, l’incontro alla Pergola con Glauco Mauri e Roberto Sturno, questa volta impegnati ne L’inganno (Sleuth) di Shaffer. Avevo visionato tempo fa la pellicola di Branagh con Michael Caine e Jude Law, ma si tratta di due adattamenti molto diversi – e infatti (e lo ignoravo fino a oggi) quello cinematografico passava per la riscrittura di Harold Pinter. La mise en scene di Mauri (che è anche regista dello spettacolo) rende in pieno il grottesco, l’assurdo, ciò che in ultima analisi è il senso dell’ultima battuta del copione (che non svelo), quando invece il film di Branagh è soprattutto lo showdown di due bei tenebrosi (uno di oggi e l’altro del tempo che fu), e se ben ricordo la tenzone ha un risultato univoco, diversamente da qui. Grazie al plot di Shaffer anche quest’anno ritroviamo in pieno il gioco del doppio che costituisce una sorta di leitmotiv degli spettacoli di Mauri e Sturno: col Faust (che rimane ancora il top delle loro prove da me ammirate, a mio giudizio) esso si traduceva in un continuo e fisico, mirabolante gioco di specchi, col Vangelo secondo Pilato lo sdoppiamento invece era "in partitura" – due variazioni sul tema dell’umano-divino, due grandi monologhi a compartimento stagno… In più, questa volta, trapelano le riflessioni sulla solitudine, sull’incomunicabilità, sulla fuga dalla vita nell’arte… ma tutto in un contesto gustoso e sempre brillantemente sorretto dal magistero dei due grandi attori. L’aura è giallistica, si sciolgono enigmi, ed il più divertente (e sfuggente per chi  è in sala) è proprio nella locandina…

Alla Pergola fino a domenica, poi ancora in giro per l’Italia fino a maggio. Consigliato.